Antonia Covarrubias Noe
The Painter of Lightness

From the rooftop of her Trastevere’s house Antonia looks at the city and smiles. Her sight embraces the wide cityscape, the trees and the river. She listens to the noise of the frantic city life in an early summer dusk, while a delicate breeze caresses her skin. She closes her eyes and feels light and peaceful. The world’s colors intertwine and overlap in her head, becoming an abstract and gentle mixture. Then Antonia opens her eyes and traces the first brushstroke.

Like the Impressionists, Antonia Covarrubias paints “en plain air”, with her “studio” set up on the rooftop of her house in Rome. In this way she can open herself to the world around her and get inspired by it. The sun, the wind, the smells and noises influence her perception and the work itself. In fact, Antonia lets her imagination free to elaborate her sensory experience: things, sensations and atmospheres become colors and abstract forms. Then she leaves her canvases to dry in the air, so that the elements of nature complete the work in unexpected ways.

Antonia conceives art as spiritual and aesthetic pleasure. Her works convey the freedom and joy of creativity and aim to elevate the soul above the heavy burden of everyday matters. In this regards, Covarrubias often use the word “lightness” to define her approach to art, the character of the works as well as the forms which constitute them and the sensations they raise. Lightness also informs the materials Antonia works with. For instance she uses extremely diluted oil colors, which then look like watercolors, and glass as the surface of the painting. As a result, Antonia’s works present a lively play of transparencies in which colors and forms gently reveal and hide each other. The artist creates these multi – layered painting fields spontaneously, paying attention to the suggestions that the work itself gives. In fact, according to Antonia, there is a crucial moment in the creative process, when the artist opens up her mind and soul to the work that speaks to the her and manifests its own nature. Lines, color spots and other visual signs might not be foreseen before they “happen” on the canvas and these contingencies are inspiring to Antonia as they direct the artist toward a new and unexpected creative path. Therefore, chance informs Antonia’s art making process, also by leaving the painting drying by itself, in the air, exposed to the forces of nature, which add their signature on it. Hence, even though there is an initial specific idea, Antonia doesn’t stuck on it but, conversely, listens to the hints the works discloses while in progress. Her artistic attitude is driven by the playful logic of the “who knows…” that also characterizes the creative dialectic with the painting. Each work is unique and special and has its own particular time of growth. This is not the time of the artist, but the time of the dialogue between her and the work. It seeks and ultimately reaches a magic harmony in which every single visual element perfectly complements the others.

Antonia not only gives life to the work, but also makes the work free to live. She carefully observes the world and respects the nature of things, their essential movement, which she reproduces in her particular pictorial language: abstract signs and color layers, which expand on the surface and that she realizes exploiting the colors’ different drying times. Antonia enjoys to work with light colors such as white, green, light blue and even red. The colors’ tones are always light and soft and they move by alternating shadings and more concrete stains, both intentional and accidental. But the abstract impact of the work doesn’t exhaust its formal content: in fact a careful look can catch a quieter expressive level, made out of detailed, little figures and symbols, which emerge from the abstract – informal stratification. Once discovered, these mimetic, graphic elements determine the emotional atmosphere of the painting. These light and gentle figures softly break the formal synthesis of the work, giving each piece a particular charm and balance. They seem to evoke the place of the artist in the world: both into it and above it, engaged in a continuous discover of its multiple aspects and voices. The works represent moments of such adventurous path and celebrate the world as an unlimited source of inspiration.

Virginia Villari

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Antonia Covarrubias è una pittrice. Il suo lavorare con tele, colori, spatole, pennelli rivela una continuità con la tradizione, atto creativo ma anche manuale che oramai si perde in un'arte contemporanea fatta di installazioni, computer, registratori, happening. Ma la continuità sta solo nel mezzo perché la sua è una pittura nuova. Nuovi sono i supporti, i materiali e i colori che usa: sono tele lasciate libere dal telaio, fogli di carta e tessuti attaccati alla tela, lastre di vetro, tavole di legno, quelle che dipinge; sono smalti, vernici, acquerelli, tempere e olii usati simultaneamente che creano differenti stati emozionali e percettivi all'interno della stessa opera. È attraverso la pittura che riesce a dare un senso corporeo al colore e alle sensazioni che esso può evocare, ma non è il colore da solo il protagonista delle sue opere: i suoi dipinti sono una miscela di colori, linee e forme astratte (anche se alcune volte tocca il figurativismo) in perfetta armonia.

È un'arte spontanea e giocosa quella di Antonia, che lascia spazio all'imprevisto: macchie, colature ed incidenti diventano elementi formali dell'opera e restano, così, impressi sulla superficie. Il processo creativo diviene, così, finalmente libero da qualsiasi costrizione.

Col passare del tempo la ricerca della pittrice cambia e troviamo lavori dalle materie alleggerite, dalle pennellate veloci, dalle linee sintetiche e dai colori diluiti. La tela non è più interamente dipinta, le linee si perdono nello spazio bianco; nelle tavole di legno le venature sono visibili tanto da confonderle con i tratti leggeri dell'artista; sulle tele i tratti si perdono nelle trame del tessuto; sulle lastre di vetro gli smalti arrivano a diventare trasparenti e sui fogli porosi gli acquerelli sembrano vivere in dimensioni oniriche ed evanescenti. Talvolta le linee sembrano non esaurirsi nello spazio concesso loro dal supporto, sembrano sconfinare da esso e idealmente proseguire per andare a perdersi chissà dove. È un'arte in movimento quella di Antonia Covarrubias, in cui le pennellate spesse, le forme astratte, i colori densi, convivono armoniosamente con linee sintetiche, essenziali, con i colori diluiti, con gli spazi lasciati liberi dal suo intervento, ma soprattutto con tratti figurativi che emergono dalle sue forme.

Negli ultimi lavori è proprio il movimento la linea conduttrice della sua pittura (lo rivelano anche titoli come Aria , o Balletto ): tutto si sintetizza nel gesto, il gesto di una pittrice che dipinge en plain air per cercare di cancellare quei confini dettati dal supporto e dalle pareti, per trarre tutta la freschezza dell'aria e la spontaneità e la leggerezza che derivano dalla momentanea condizione dello “stare fuori”, ma soprattutto dai repentini cambiamenti atmosferici e dalle fugaci brezze che passano tra i pennelli mentre lasciano tracce.

L'arte di Antonia non ha bisogno di spiegazioni, non necessita di troppe parole perché le sue sono opere che viaggiano su frequenze emotive, lasciando al fruitore libera interpretazione, suggerendogli solo di abbandonarsi e di lasciarsi coinvolgere da queste forme e soprattutto da questi colori che sembrano aver trovato il loro equilibrio con una disinvoltura lontana dalle macchinazioni concettuali dell'arte.

Giovanna Cozzi